За це варто боротися

За це варто боротися: режисер Тобіас Кратцер і диригент Титус Енгель говорять про смерть, надію та необхідність боротися за життя

Фото: Jaro Suffner.

Від вересня 2023 року будівля Komische Oper закрита на реконструкцію. Під час модернізації театру вистави відбуватимуться в Шиллертеатрі, Кіндл-Ареалі, Ротес Ратхаусі та в аеропорту Темпельгоф.

 

16 вересня 2023 року відбулася перша прем'єра сезону. Сценічну ораторію "Пліт Медузи" Ганса-Вернера Генце поставили режисер Тобіас Кратцер, диригент Титус Енгель, сценограф Райнер Зельмаєр. Місцем дії нової продукції Берлінської Komische Oper стало приміщення старого аеропорту.

 

Передісторія твору: На французькому військовому фрегаті "Медуза", який 1816 року відплив до Сенегалу з колоніальними амбіціями, голод спровокував убивства, бійки та канібалізм. Цивілізовані люди опинилися перед обличчям смерті, у смертельній небезпеці, без надії на порятунок. Для Бурбонів ця ситуація закінчилася політичним скандалом, що провістив занепад абсолютизму у Франції. Жеріко, а згодом і Хенце увічнили цю подію в мистецтві. Концертна прем'єра за участі композитора у 1968 році в Гамбурзі також спричинила скандал. Поліція заарештувала поряд з іншими «порушниками порядку» лібретиста Ернста Шнабеля. На судовому процесі його звинуватили в "супротиві державній владі". Ганс Вернер Хенце заявив по радіо: "Я відмежовуюся від жорстокості поліції!"

 

Жеріко і Генце були політично активними митцями. Для митців не існувало мистецтва заради мистецтва. Мистецтво потребує резонансу, дискусії, дії. Не випадково Генце присвятив свою роботу Че Геварі і наголосив на "політичній свідомості" мистецтва.

 

Komische Oper Berlin. 16.09.2023.

Пропонуємо читачам інтерв’ю постановників ораторії Ганса Вернера Генце «Пліт Медузи» Тобіаса Кратцера і Титуса Енгеля в українському перекладі Аделіни Єфіменко.

Фото: Аделіна Єфіменко.

– У назві свого твору Ганс Вернер Генце та Ернст Шнабель відсилають до картини Теодора Жеріко "Пліт Медузи" 1819 року, яка свого часу спричинила політичний скандал. Що було такого уразливого в цій картині?

Тобіас Кратцер: Картина Жеріко – це не олійне полотно, ескіз чи цикл офортів, а великий історичний живопис. У цьому полягає її мистецьке й історичне значення, адже такий великий формат і художня досконалість раніше були зарезервовані для біблійних чи історичних тем. Жеріко, однак, присвячує себе сьогоденній події і малює героїв в натуральну величину, і Генце теж не пише маленький етюд на тему жахів, а в музичному плані має претензією на «велике панно».

Титус Енгель: Густий пензель Жеріко також відчувається у виборі Генце великого інструментарію та контрастної динаміки, яка змінюється від екстремального фортисимо до ніжного піанісимо. Як і Жеріко, Генце та Шнабель хотіли зобразити людей на плоті в їхній красі, а не зробити їх чужими. Ідентифікація та солідарність з людьми на плоті "Медузи" має бути можливою.

Троє головних героїв разом із понад сотнею солістів хору, також хору хлопчиків та масовкою домовляються між собою про події. Один з них, Жан-Шарль, перебуває на плоту разом зі 154 іншими, що залишилися позаду.

Тобіас Кратцер: Жан-Шарль уособлює primus inter pares, може бути будь-ким із нас, майже Jedermann у розумінні Гофмансталя. Спершу він не надто вирізняється своїм соціальним становищем, характером, але саме це робить його фігурою, з якою ми можемо себе ідентифікувати. У процесі розвитку він набуває дедалі більших контурів. Жан-Шарль не заражається всюдисущою жорстокістю, що коїться на плоту. Він втілює голос розуму і людяності. Він також єдиний, хто може бачити Ла Морта (Смерть), хоча неясно, чи він діє на межі божевілля, чи насправді є ясновидцем серед живих. Наприкінці розв'язка гірка і трагічна: з усіх людей саме він першим бачить рятівний корабель і в лихоманці помирає в цей момент.

Фото: Jaro Suffner.

– Смерть (Ла Морта) співає про себе: "Я – незмінна тиша ваших цілей, перше кохання зробило мене таким". Загадкові, але красиві слова. Що означає смерть у цій постановці?

Тобіас Кратцер: Смерть володіє спокусливим потенціалом небезпеки: іноді може бути просто легше здатися, не боротися і покінчити з життям, замість того, щоб знову і знову наражатися на небезпеку, працювати над досягненням своєї мети. У цьому фатальність цієї постаті, яка пестить і спокушає живих музичними красотами і пропонує таку оманливу альтернативу життю — спокій.

– Як Ганс Вернер Генце відтворив ці фігури в музиці?

Титус Енгель: Обидві партії діаметрально протилежні композиційно. Ла Морта наділена великими елегійними фразами, в яких вона разом з царством мертвих здебільшого озвучується струнними. Крім того, є неймовірно складні верхні ноти, адже Генце писав партію для високого сопрано, яке водночас має володіти глибиною і широким вокальним діапазоном. Це надає звучанню Ла Морта розмаїття барв. Для ролі Жан-Шарля Генце композитор передбачив Sprechgesang, а також експериментальні вокальні пасажі, такі як затинання або глісандо, безперервні ковзаючі зміни висоти тону.

На відміну від Ла Морта, у нього не так багато зв'язних вокальних реплік, скорше, його вокальні лінії зазвичай набагато коротші. Таким чином Генце підтримує нервовість і драматизм, притаманний цьому персонажу. Завдяки швидким інтонаційним змінам між Sprechgesang та кантиленою сценічний образ Жан-Шарля дуже динамічний.

Фото: Jaro Suffner.

– На кшталт барокових ораторій є в ораторії коментуюча фігура, яка веде за собою дію. Вона носить ім'я міфічного поромника Харона.

Тобіас Кратцер: Мотив поромника з'являється і в нашій постановці, оскільки Харон на початку пересувається в човні, але не в сенсі посередника між світом померлих і світом мертвих. Насправді Харон є нейтральним оповідним голосом – традиційно чоловічим, у нашій постановці його виконує оперна співачка. Харон застряг у дилемі спостерігача, намагається дивитися на те, що відбувається, нейтрально, але йому не вдається бути повністю незалученим. Адже просто спостерігаючи, стаєш мимоволі винним і так чи інакше примушений у критичних ситуаціях визначитися з особистісним ставленням до подій. Але як спостерігачі, ми інколи не можемо нічого вдіяти, окрім як співпереживати людям, втягнутим у масову паніку. Тож Харон знову і знову потрапляє в ситуації, в які ми як учасники також можемо легко потрапити. Хочемо допомогти, але приголомшені стоїмо осторонь. Іноді ми думаємо, що можемо зробити щось невеличке, щоб допомогти окремим людям, але не можемо змінити загальну фатальну ситуацію.

– Як Генце трактує наративність Харона у своїх композиціях?

Титус Енгель: Харон іноді промовляє тексти вільно, іноді ритмічно, іноді наспівує їх на вільній висоті. Генце також створює затемнення і прояснення голосу Харона і, таким чином, створює роль на межі гри і співу. Харон перебуває у тісному діалозі з оркестром, особливо з дванадцятьма перкусіоністами. Ритмічна мова Генце більш різноманітна, ніж у його сучасників Карлгайнца Штокгаузена та П'єра Булеза, чиї серійні композиції позбавлені різноманітності ритмічного пульсу, адже вони розглядали ритм як серію, що породжувало звукову поверховість. Однак у творчості Ганса Вернера Генце пульсуючі ритми відіграють важливу роль, особливо в драматичних номерах наприкінці, де катастрофа на плоті набуває все більш екзистенційних рис. Генце не хотів бути догматиком, він вважав систематичну дванадцятитонову музику не надто оптимальною музичною мовою та комунікативною стратегією, і все ж він використовує її.

Фото: Jaro Suffner.

– Що особливого в його композиторському підході?

Титус Енгель: У дванадцятитоновому ряді всі дванадцять хроматичних тонів використовуються однаково. Насправді Генце створює основний ряд з дванадцяти тонів для "Плоту Медузи", який транспонує та інвертує під час ораторії і над інтервалами якого він працює як над крабами, тобто записує у зворотному напрямку. Строго кажучи, у дванадцятитоновій музиці кожен з тонів вживається один раз, перш ніж відтворюється знову з самого початку. Цього принципу Генце також дотримується на початку ораторії. Але потім композиція стає вільнішою, можна помітити, що спочатку ця техніка є для нього лише способом організації звуковисоти поза тональною системою; наприклад, у дуеті Жан-Шарля і Ла Морта. Тут дванадцятитоновий ряд має важливу роль, але Генце звільняється від нього, коли йому це необхідно. У фіналі він навіть конструює мелодію з шістдесяти нот, яку вибудує за допомогою методу, подібному до дванадцятитонової системи. Однак ця мелодія не звучить абстрактно, а навпаки, дуже елегійно. По цій мелодії можна оцінити справді оперного композитора, який більше переймався сценічною ситуацією, аніж догматичними правилами.

– Твір Генце випромінює величезну силу і щиру емоційність. Завдяки чому «Пліт Медузи» захоплює слухачів?

Титус Енгель: Основа проста: музика царства мертвих з елегійними вокальними пасажами італійською мовою, безпосередньо запозиченими з «Божественної комедії» Данте Аліг'єрі, контрастує зі схвильованою музикою живих людей на плоті. У той час як партії живих підтримують духові інструменти, які символічно передають їх дихання, струнні супроводжують мертвих. До цього додаються енергійні хорові пасажі, наприклад, у драматичні моменти, коли пліт "Медуза" наштовхується на риф. Моменти роздумів Харона утворюють контраст до драматичних подій. Цей діапазон різних музичних мов, які так логічно конструюють драматургією твору, роблять твір зрозумілим. У попередніх постановках ораторії "Пліт Медузи" сценічна дія часто асоціювалася з щоденними політичними подіями, такими як "криза біженців", що досягла апогею у 2015 році.

Тобіас Кратцер: Якщо би ми прагнули знайти оптимальне слово для означення теми цього твору, то доцільно було би говорити про дефіцит ресурсів, який піднімає водночас класові проблеми, з одного боку, і дефіцит простору для життя, з іншого. В змісті ораторії йдеться про катастрофічно швидке зменшення ресурсів їжі та води на плоті. Але ця ораторія є притча, що натякає на проблему, яка не обмежується соціальною темою конкретного часу чи країни, а є системною у світі. Пліт як і багато образів кораблів у літературі та історії світової музики – це, звичайно, метафора. Отже, твір виходить за межі реального політичного чи соціального контексту і розкриває загубленість людини у світі, тому цей твір є універсальним.

Фото: Jaro Suffner.

– Ганс Вернер Генце та лібретист Ернст Шнабель не залишають мертвих осторонь, у повній тиші, а дають їм змогу спілкуватися з живими. Деякі з тих, хто вижив, повертаються у світ, "навчені реальністю, гарячково бажаючи її повалити". Яку надію дає нам "Пліт Медузи"?

Титус Енгель: Незадовго до смерті людина вже не співає. Але можна почути її дихання. Генце написав прекрасні теми для мертвих. У момент смерті музична мова змінюється і містить суміш барокових ритмів і гармоній 20-го століття, які наділені романтичною привабливістю.

Тобіас Кратцер: Оманливо довіряти прекрасному голосу Ла Морта, адже спокій моря в ораторії як – місце поховання. "Пліт Медузи" дає надію саме у той момент, коли людина не піддається спокусливій смерті, а ритмічно протистоїть їй. Навіть якщо це коштує великої сили подолання – а співати, до речі, також важче у цей момент. Генце запевняє в Ораторії, що варто жити.

Титус Енгель: Надія також в тому, що в реальній історії ми знаємо імена тих, хто вижили, які принесли звістку про цю катастрофу, спричинили суспільний скандал. Ораторія підхоплює цю тему і показує, що за будь яких обставив варто відстоювати свою справу і боротися за життя... хоча б для того, щоб загиблі не були забуті.

Переклад з німецької: Аделіна Єфіменко.

Das Programmheft "Das Floß der Medusa". Hans Werner Henze. Oratorium in zwei Teilen. Es lohnt zu kämpfen. S. 12-16.